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LEZIONE UNDICI: I TEMPI NELLA SCENEGGIATURA (II)
ALTRI FORMAT – IL SERIAL TV
Riassumo quanto fin qui detto riguardo ai tempi del racconto cinematografico
in un’unica frase: un film è un racconto per immagini,
all’interno di un tempo predeterminato. Ciò significa,
dal punto di vista del lavoro di sceneggiatura, che non abbiamo a disposizione
quanto tempo vogliamo noi per raccontare la storia, ma dobbiamo raccontarla
dentro il format industriale che (al contrario di quanto avviene
in letteratura) prescinde dalle nostre esigenze, è stabilito a
priori dalla consuetudine, dalle esigenze della distribuzione, da quella
che è la durata media industriale del prodotto film, che come abbiamo
visto è di circa due ore. Abbiamo anche osservato che ciò
non è inerente alla forma espressiva film in quanto tale, perché
all’epoca del cinema muto i film avevano una durata molto più
variabile e tale libertà narrativa sta conoscendo un certo risveglio
grazie alla diffusione del Film-making , ai Festival dei cortometraggi,
alla produzione indipendente e a Internet. Ma resta il fatto che il format
prevalente, (ripeto: sulla base dello stato del mercato), è quello
di due ore. Per lo sceneggiatore si tratta quindi di equilibrare i tempi
del racconto all’interno di questo tempo complessivo. Un errore abbastanza
comune è cominciare con tempi rilassati, che ci permettono di presentare
più diffusamente i personaggi e gli ambienti, per poi ritrovarsi
troppo contratti nello sviluppo della vicenda e nel finale. In generale
, quando si scrive, bisognerebbe avere una sorta di timing mentale e tener
conto di una durata di circa 40 secondi per pagina. Scene che durino più
di un minuto possono rendersi necessarie nel corso del film, ma dovremmo
sempre regolarle molto bene ad evitare che squilibrino i tempi complessivi
del racconto.
Detto questo, vanno considerate altre forme cinematografiche che hanno
invece un format molto diverso. Un serial TV può da un lato durare
quasi all’infinito (la durata di una serie dipende dall’interesse
del pubblico), dall’altro nei suoi singoli episodi dura la metà
di un film (cioè da quaranta minuti a un’ora). In questo caso
dunque i tempi della narrazione ci impongono di strutturarla in modo differente
da quella di un film. Va aggiunto che anche nella pratica di scrittura
un serial Tv è diverso da un film: in un film il referente centrale
è (in teoria) il regista che in quanto “metteur en scene”
( autore della “messa in scena”) è colui che sorveglia
e/o collabora alla sceneggiatura e ne è anche il realizzatore.
Nel serial è lo sceneggiatore /ideatore della serie (cioè
il creator ) ad essere il referente centrale. Produrre una serie vuol
dire, nell’arco di un anno, un anno e mezzo, realizzare almeno una
dozzina di episodi. Nessun regista potrebbe girarli tutti. E’ necessaria
un’equipe di registi, che sulla base di scelte estetiche fatte all’inizio,
girino non per differenziarsi l’uno dagli altri, ma per “scomparire”
in quanto singoli autori: il serial deve avere sempre le stesse caratteristiche
stilistiche anche se viene diretto da registi differenti. Anche un singolo
sceneggiatore , per quanto prolifico, avrebbe difficoltà a narrare
l’intera serie. Dunque lo sceneggiatore/ideatore, che è il
principale autore della serie, dovrà anche coordinare e nel caso
revisionare il lavoro di una redazione di sceneggiatori incaricati di
scrivere i diversi segmenti. Avrete forse notato che nei titoli di testa
di una serie TV, il nome che figura nella posizione di maggior rilievo
è quello dell’autore/ideatore della serie che in qualche raro
caso (Twin Peaks) può anche essere il regista dei primi
episodi, sulla base dei quali vengono realizzati gli altri, ma in altri
casi (nella maggior parte) non è affatto un regista, ma uno scrittore,
cui può anche venire affidata la direzione artistica della serie:
per esempio Stephen Bocho ( autore e producer di NYPD) oppure Chris
Carter ( autore e producer di X-Files). Questo tipo di organizzazione
del lavoro viene da lontano, da telefilm degli anni 50 come la serie Twilight
Zone ( Ai Confini della Realtà, che per inciso è
appena uscita in italiano in cofanetto di DVD, con l’intera prima
stagione) che aveva per referente principale l’autore/sceneggiatore
Rod Serling. Ma gli episodi della serie di Serling erano autonomi gli
uni dagli altri, mentre la caratteristica precipua delle nuove serie è
che gli episodi sono singoli capitoli di un unico racconto-fiume.
Ora, di fronte a questo genere di format i problemi per uno sceneggiatore
sono molti. Per esempio: 1. Come portare avanti un racconto di cui non
è previsto il finale? ; 2. Come raccontare i singoli capitoli in
modo che chi ne segue solo uno (e non necessariamente il primo) possa
capire lo stesso la storia e restarci affezionato? ; 3. Come mantenere
aperto il racconto in modo che alcuni personaggi possano sparire e altri
comparire nella serie, senza creare scompensi narrativi?
Sono, come si vede, problemi complessi e nuovi rispetto alla normale scrittura
cinematografica. Si avvicinano molto invece ai problemi che incontra l’autore
di un fumetto seriale, o a quelli che incontravano gli scrittori di feuilleton
(romanzi a puntate).
Molto difficilmente, in un seriale dalla continuity piuttosto marcata,
potremo usare in un singolo episodio la scansione classica in Tre Atti
(Presentazione dei personaggi / Sviluppo-complicazione della vicenda/
Scioglimento finale). La Presentazione dei personaggi deve avere un’altra
gradualità; lo Sviluppo riguarda non solo il singolo episodio,
ma deve avere come riferimento l’intero arco narrativo di almeno
una stagione della serie e tenere aperta la possibilità di nuovi
sviluppi nella seconda stagione e nelle successive; il Finale non c’è
, bisogna dare l’impressione che possa arrivare da un momento all’altro,
ma in realtà, finché dura la serie, non esiste, d’altra
parte ogni singolo episodio una certa unità e un suo finale (sospeso
o conclusivo) deve averlo altrimenti il pubblico ne ricaverebbe una sensazione
di incompiutezza narrativa.
Infine mentre per alcune serie (Una signora in giallo, Colombo, Magnum
P.I.) si mantiene un unico protagonista con comprimari più o meno
fissi e poi attori che cambiano di puntata in puntata, nei seriali che
si fondano sulla continuity ( cioè quasi nessuna delle puntate
è indipendente e autonoma dalle altre) prevale la Coralità
che non significa affatto che nessun personaggio è protagonista,
ma che i protagonisti sono molti e a ciascuno dunque va dato analogo rilievo
e spazio.
Ora esaminerò qui in breve due casi recenti di serial Tv: Lost
e Desperate Housewives.
a) Lost ( serie creata da J.J.Abrams, Damon Lindelof, Jeffrey Leiber
)
La serie racconta di un gruppo di una quarantina di persone che dopo un
incidente aereo si ritrova su un’isola sperduta, fuori dalle rotte
navigabili e senza speranza di soccorso. L’isola costituisce un mistero,
non solo perché è sconosciuta ai naufraghi, ma perché
vi si aggira un inafferrabile mostro, perché è un luogo
di visioni e allucinazioni, perché vi si nasconde un misterioso
laboratorio scientifico, perché è abitata da The Others
cioè un gruppo di criminali dagli scopi occulti, eccetera ( i misteri
sono molti e incatenati tra loro). La comunità dei naufraghi trova
un leader naturale in un giovane dottore che presta i primi soccorsi agli
scampati, ma questi non è l’unico protagonista. Tra i quaranta
sopravvissuti almeno la metà ha un ruolo di assoluto rilievo. Tutti
nascondono nella propria biografia un mistero privato che non ha solo
a che fare con il passato, ma con i motivi per cui si sono imbarcati su
quell’aereo e con le esperienze più o meno allucinatorie che
incontreranno sull’isola. L’isola pone in qualche modo ciascuno
di fronte al proprio Destino. E il rapporto di ciascun personaggio con
se stesso è altrettanto importante delle relazioni che intrecciano
tra di loro.
In tutta la prima stagione (che va in onda su Rai2 e che vi invito a seguire)
il serial si regge puntata per puntata su un Format molto rigido. Uno
alla volta, i venti personaggi principali, assumono nel racconto un ruolo
da protagonista e il racconto delle singole puntate viene strutturato
così: seguiamo da un lato le esperienze che un certo personaggio
fa sull’isola insieme agli altri, dall’altro vediamo in flash
back la vita e le avventure del personaggio prima di imbarcarsi sull’aereo.
Questi due diversi piani narrativi, trovano la loro sintesi ( e chiusura)
perché c’è un rapporto di incrocio tra il passato dei
protagonisti e le avventure che si trovano a vivere sull’isola.
Ora riferiamoci ai problemi sopra delineati e vediamo come sono stati
risolti nella serie.
1.Come portare avanti un racconto di cui non è previsto il finale?
La serie Lost ha un tipico intreccio da “Mystery”. A
condurre il racconto generale ( e a tener desta la curiosità del
pubblico) sono i diversi misteri che si susseguono, che trovano progressivamente
soluzione, ma che ne aprono di nuovi. In serie come Twin Peaks
si era notato che se si struttura la serie su un unico mistero forte (Chi
ha ucciso Laura Palmer?) a cui ne vengono poi correlati altri, la
soluzione non può venire differita troppo a lungo: prima o poi
l’assassino va scoperto. Quando l’assassino viene scoperto,
se però la narrazione (in conseguenza dell’enorme successo
di pubblico ottenuto) deve continuare, bisogna escogitare un altro mistero
con cui proseguire. Ma nel caso, la soluzione fondamentale era già
stata data: il pubblico dimostrò di considerare la serie conclusa
e la abbandonò. Ricominciare da capo e con un altro “tirante”
non funziona. L’espediente di correlare tra loro molti misteri fin
dal principio, permette di evitare questo scoglio. La spiegazione , nel
corso della serie, di un singolo mistero non chiude la storia, perché
molti altri ne restano aperti. Per di più, il fatto che questi
misteri siano collegati tra loro, conduce il pubblico non tanto interrogarsi
sul singolo mistero, ma sull’intreccio tra i misteri. La narrazione
non esamina i misteri uno alla volta, fa sempre capire che sono tutti
collegati. L’attesa della rivelazione è così spostata
su: qual è la relazione tra i diversi misteri? Questa relazione
è il mistero guida. E dato che possiamo sviluppare e complicare
la narrazione con misteri successivi correlati, in teoria possiamo anche
permetterci una narrazione all’infinito. Questo non vuole affatto
dire che non sappiamo , da sceneggiatori, dove andare a parare. Anzi è
il contrario. Dovendo esplorare ed arricchire l’intreccio tra i misteri
, la sceneggiatura dev’essere condotta con una scaletta di ferro
nella quale ogni singolo evento ha un senso preciso nel disegno generale/progetto
della serie.
2. Come raccontare i singoli capitoli in modo che chi ne segue solo
uno (e non necessariamente il primo) possa capire lo stesso la storia
e restarci affezionato?
La serie è sempre preceduta da un breve riassunto nel quale non
si riepiloga l’intera vicenda, ma solo i dettagli indispensabili
a capire il nuovo episodio in programmazione. Ma la cosa fondamentale
è che incentrando su un personaggio principale la vicenda di una
singola puntata, ogni episodio può venire gustato di per sé
. Il passato del personaggio, come abbiamo detto, è in relazione
con quanto gli accade sull’isola e ha conseguenze sul tipo di rapporti
che il personaggio instaura con gli altri, e infine l’esperienza
vissuta sull’isola può risolvere o aggravare un problema psicologico
e/o fattuale che il personaggio ha avuto in passato. In questo modo si
può usare la struttura in Tre atti , perché il racconto
ha una premessa, uno sviluppo e una soluzione (per quanto provvisoria).
L’affezione del pubblico sarà doppiamente stimolata: dall’interesse
per il personaggio e dalle attese su come questi potrà muoversi
in futuro, in rapporto con gli altri e con le nuove avventure che si troverà
ad affrontare.
3. Come mantenere aperto il racconto in modo che alcuni personaggi
possano sparire e altri comparire nella serie, senza creare scompensi
narrativi?
Nella serie, alcuni personaggi muoiono , ma possono ricomparire nei ricordi
degli altri e non venire dunque eliminati per sempre dalla serie. Al contempo
il fatto che muoiano permette in corso di aggiungere nuovi personaggi
senza aumentare il numero totale in tale misura da rendere ingovernabile
la serie. Inoltre la coralità consente di alternare i personaggi
nel ruolo guida : il protagonista di una singola puntata può diventare,
senza perdere le sue caratteristiche, comprimario in un'altra o addirittura
risultare assente per un paio di puntate senza recare danno alla continuità
del racconto. Se la struttura è rigida, il movimento dei personaggi
vivacizza e rende particolare ogni singola puntata con digressioni/flash
back che ci conducono in altri luoghi ( in diversi luoghi del mondo) togliendo
fissità all’ambientazione unica di base (l’isola).
Le soluzioni che abbiamo qui in breve delineato, tuttavia non risolvono
pienamente il problema che abbiamo accennato riferendoci a Twin Peaks
e che è inerente al Serial basato sulla continuità narrativa.
Come evitare che ad un certo punto il pubblico si stanchi? Come affrontare
la seconda stagione del serial, a personaggi ormai ampiamente presentati,
senza ripetersi? Fino a che punto si può prolungare la storia senza
andare a un vero finale?
La seconda stagione di Lost si segnala per alcune modifiche di
rilievo: essendo già stati presentati tutti i protagonisti della
serie, le singole puntate mettono in maggior rilievo l’intreccio,
i flash back si fanno più rapidi, non riguardano il singolo personaggio,
ma si alternano frammenti di vita di più personaggi . L’azione
diventa in generale più concitata, si attenua l’accumulo di
misteri che finirebbero per complicare eccessivamente la storia, e li
si sostituisce con una maggiore dose di avventura . (Ad esempio: il tale
viene rapito, riusciranno gli altri a salvarlo?) Inoltre, sempre per l’esigenza
di poter continuare per molte altre puntate, si presentano in sostituzione
di alcuni dei personaggi della prima serie, dei nuovi personaggi (un secondo
gruppo di sopravvissuti e gli Others cattivi ). Si ha però
l’impressione generale che le singole puntate perdano una struttura
salda di riferimento, i flash back sul passato dei protagonisti illuminano
frammenti secondari, di complemento, ma di minor forza espressiva (le
cose fondamentali su di loro e sulle loro biografie sono già state
raccontate). Inoltre le assenze (anche se momentanee) di alcuni personaggi
pesano di più di quelle di altri e troppi di loro restano come
in sospeso. Infine l’apparizione del secondo gruppo di sopravvissuti
anche se mette in gioco almeno un paio di personaggi notevoli e fondamentali
per capire l’insieme della storia e svelare alcuni dei misteri, sa
un poco di espediente per allungare il brodo. In altre parole, da pubblico,
si comincia a percepire con qualche disagio che raccontando così,
veramente la storia potrebbe non avere mai fine. E questo, per una storia
comunque fondata su un Mistero e che viene condotta su un registro drammatico,
è un problema. (Lo stesso difetto si può riscontrare del
resto nella seconda stagione di Carnivàle).
Mentre una serie come I Soprano, seguendo tempi narrativi da biografia/vita
quotidiana di gruppo e con una chiarissima gerarchia tra i personaggi,
può davvero durare all’infinito senza pesare sul pubblico,
una storia Mistery non può sfuggire all’inevitabile: la storia
va chiusa, non può non avere un finale. Se si conclude, non la
si può riaprire. Se non la si conclude, l’attesa della soluzione
non può venire dilatata all’infinito: c’è un punto
di non ritorno, oltre il quale la storia non la si regge più.
Dal punto di vista dei tempi, le singole puntate di Lost sono esemplari.
Si tratta, nella prima stagione, di raccontare di volta in volta, in un
tempo estremamente ridotto, un episodio cruciale della vita passata di
uno dei protagonisti. Questo costituisce una sorta di “racconto nel
racconto” o di “film nel film”. Può essere molto
utile per voi studiare bene questa serie per capire come si racconta una
vicenda in breve, in poche ficcanti scene, senza lasciare mai l’impressione
di assistere a un racconto sbrigativo e frettoloso. Ciascuna di queste
storie avrebbe potuto essere da sola un film. Esempio: uno dei personaggi
vince alla lotteria e da quel momento incappa in una serie di sfortune,
che però non capitano direttamente a lui, ma ai suoi amici e parenti.
E’ insomma un fortunato che comincia a sentirsi uno jettatore. Su
questa traccia si potrebbe raccontare un film di due ore, eppure la storia
viene raccontata (e con completezza) al massimo in venti minuti. Questa
concentrazione non impedisce affatto che ci siano momenti calmi, indugi,
pause. Ma la pausa non è sospensione della narrazione, la pausa
è un elemento del ritmo.
b) Desperate Housewives ( serie creata da Marc Cherry)
La serie ha un andamento da commedia con un leggero (e ironico) tocco
di noir. E’ infatti raccontata (con voce fuori campo) da una morta,
cioè una casalinga che si è suicidata per misteriosi motivi
e che dall’al di là continua a seguire in spirito le vite
delle sue amiche e le vicende del quartiere in cui è vissuta. Anche
qui la prima stagione è condotta seguendo il filo rosso di un mistero:
perché la casalinga si è suicidata? Quali misteri si nascondono
nella strada dove vivono le amiche della defunta? Seguiamo in modo intrecciato
le vite di cinque donne ( e dei personaggi loro collegati, mariti, figli,
amanti, parenti) . Non seguiamo queste vite una alla volta, puntata per
puntata, ma tutte insieme, in continua alternanza tra personaggio e personaggio,
in ogni singola puntata. Insomma tutte le donne sono egualmente protagoniste,
non solo della serie, ma di ciascuna puntata. Gli sceneggiatori non hanno
(se non di rado) necessità di mostrarci il passato delle protagoniste
per farci capire chi sono, perché basta vedere le loro vite in
atto, basta vedere quello che fanno e come si comportano per familiarizzare
con loro.
Torniamo ora alle tre domande.
1.Come portare avanti un racconto di cui non è previsto il finale?
La scelta del genere commedia, molto diverso dal Mistery, è decisiva.
E’ vero che c’è un mistero che ci fa da guida ( perché
il suicidio iniziale?) , ma non è così in primo piano da
fare della serie un giallo. Il mistero si svela non alla fine della prima
stagione, ma nella prima puntata della seconda. Anche in questo caso,
viene sostituito da un secondo mistero: è arrivata nel quartiere
una nuova vicina che ha qualcosa da nascondere. Però le singole
puntate seguendo le vite intrecciate delle protagoniste mirano soprattutto
a presentarci delle situazioni divertenti. I personaggi delle protagoniste
sono degli stereotipi, ben bilanciati tra loro: Susan (la pasticciona)
, Lynette (la donna pratica), Gabrielle (la sensuale), Bree (la frigida).
A queste quattro fa da contraltare Edie : le altre hanno famiglia, lei
è single; le altre sono simpatiche, lei è antipatica; le
altre non sono competitive tra loro, lei è competitiva con tutte.
Ciascun carattere ha le sue contraddizioni: Susan è un animo candido,
ma procura guai a sé e agli altri; Lynette ha un grande talento
nel risolvere le situazioni, ma a prezzo di uno stress continuo; Gabrielle
usa la sensualità come potere e privilegio senza trascurare la
cosa per lei più importante: i soldi; Bree è terribilmente
rispettosa delle regole, ma coltiva oscure pulsioni omicide; Edie è
sessualmente aggressiva, ma fa anche un po’ pena perché condannata
a restar sempre sola. Le loro storie quotidiane ( intessute con grande
leggerezza di elementi noir) non sono altro che un modo per mettere dei
caratteri da commedia (delle “maschere”) in situazioni “disperate”
risolte narrativamente con felice umorismo. I caratteri da commedia (
a cominciare da quelli della Commedia Dell’Arte) non hanno necessità
di concludere, non nascono e non muoiono, possono durare all’infinito.
Cambiano le situazioni, gli spunti, ma ogni volta i personaggi ci fanno
ridere perché si ripresentano identici. Se c’è un mistero
principale che ci permette di unire in un racconto continuo le puntate,
ci sono però ( come ne I Soprano) le “vite che continuano”
che già di per sé sono un robusto tirante, rispetto al quale
il Mistero non appare dominante. Non seguiamo la storia per capire la
verità (anche se questo è un elemento di attrattiva) ma
perché quei personaggi ci sono simpatici e più le loro vite
si incasinano più ci diverte scoprire come se la caveranno e come
replicheranno se stessi in situazioni mutate.
2. Come raccontare i singoli capitoli in modo che chi ne segue solo uno
(e non necessariamente il primo) possa capire lo stesso la storia e restarci
affezionato?
Con la commedia, questo è molto più semplice. Di fronte
a una scena divertente, chi già conosce il personaggio e le premesse
narrative, ride di più, ma chi vede il programma per la prima volta
si diverte lo stesso, a prescindere dal prima e dal dopo, perché
i singoli segmenti sono comunque degli sketch. Il fatto poi che le protagoniste
si alternino nella stessa puntata e dunque che seguiamo più vicende
in parallelo, ci permette di differenziare toni e situazioni e di condurre
il racconto in modo molto animato. Una volta agganciato ai personaggi,
il pubblico non se li perde più. Non ci si chiede “come andrà
a finire?” , ma “vediamo cosa fa il tal personaggio adesso”.
E chissà cosa farà nella prossima con lo sviluppo della
storia…
3. Come mantenere aperto il racconto in modo che alcuni personaggi possano
sparire e altri comparire nella serie, senza creare scompensi narrativi?
Anche questo è molto più semplice con il genere commedia.
I personaggi/caratteri fondamentali restano gli stessi. Le new entry sono
personaggi di contorno. Questi personaggi non vengono però in sottordine:
sono gli invasori, quelli che creano scompiglio e nuovi problemi nel gruppo
delle protagoniste. I loro ruoli anche se limitati ad alcune puntate,
sono di rilievo.
Dal punto di vista dei tempi, DH è un esempio anche più
smagliante di Lost. Qui seguiamo contemporaneamente quattro/cinque
personaggi. In una puntata di quaranta minuti, ciò significa che
abbiamo meno di dieci minuti per personaggio. In questi dieci minuti scarsi
dobbiamo raccontare tutto l’arco della sua avventura. Abbiamo pochissime
scene a disposizione per ciascun segmento di racconto, e ciascuna di queste
scene deve essere significativa e divertente perché nella continua
alternanza sarebbe pericolosissimo e squilibrante se la scena di una delle
casalinghe risultasse fiacca rispetto a quella di un’altra.
Dal confronto tra Lost e DH abbiamo così cominciato
ad affrontare il prossimo tema su cui si incentrerà il corso e
cioè l’influenza dei generi sulla narrazione, sui suoi
tempi e sulla sua struttura. Un punto è bene sottolineare: se costruite
il vostro personaggio sul fascino del mistero, tenete conto che man mano
che il mistero si svela, il personaggio perde fascino; se all’opposto
il vostro personaggio è di una chiarezza lampante ( un carattere
“tipico”) la sua attrattiva sta nel replicarsi in situazioni
sempre diverse.
Esercizio
Sarebbe difficilissimo, anzi impossibile al momento esercitarsi su una
struttura così complessa com’è quella del Serial TV.
Ho preferito darvi una traccia utile a farvi capire come cambiando i format,
cambiano i problemi. Le tecniche narrative, in cinema, non sono date una
volta per tutte, sono costrette a riformularsi ogni volta a seconda degli
sviluppi del mezzo, ai suoi modi di confezione e diffusione. E molti dei
problemi che ne nascono non si possono prevedere al principio, bisogna
sperimentare le soluzioni a confronto con la macchina produttiva da un
lato e con le risposte del pubblico dall’altro. Ciò detto,
vi raccomando non solo di vederle, queste serie, ma di registrarne qualche
puntata e di “smontarla” per capire bene quello che più
ci interessa in questa fase e cioè come si può raccontare
una storia in sintesi, senza che appaia al pubblico come un riassunto
approssimativo e sciatto. Se dunque qualcuno di voi vorrà estrarre
da una puntata il flash back sul passato di un personaggio di Lost, o
la sequenza di scene di una delle protagoniste di DH, giusto per ricavare
una scaletta di cosa succede, cioè come viene raccontato nella
sua completezza e nei diversi passaggi quel segmento di storia, sarà
utile a tutti pubblicarlo qui come indicazione.
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